Япония – самая маленькая страна Дальнего Востока - 372 тысячи квадратных километров. Но вклад, который Япония внесла в историю мировой культуры, не меньше, чем вклад больших древних государств.

Истоки искусства этой древней страны восходят к 8 тысячелетию до Р.Х. Но наиболее значительным этапом во всех областях её художественной жизни явился период, начавшийся в 6-7 веках от Р.Х. и затянувшийся до середины 19 века. Развитие японского искусства протекало неравномерно, но оно не знало слишком крутых переломов или резких спадов.

Японское искусство развивалось в особых природных и исторических условиях. Япония расположена на четырех крупных островах (Хонсю, Хоккайдо, Кюсю и Сиоку) и многих мелких. Долгое время она была неприступной и не знала внешних войн. Близость Японии к материку сказалась в установлении в древние времена контактов с Китаем и Кореей. Это ускорило развитие япоснкого искусства.

Японское средневековое искусство выросло под воздействием корейской и китайской культур. Японией была усвоена китайская письменность и черты китайского мировосприятия. Буддизм стал государственной религией Японии. Но японцы по-своему преломляли китайские идеи и приспосабливали их к своему образу жизни.

Японский дом, японский интерьер
Японский дом внутри так же ясен и прост, как и снаружи. В нем поддерживалась постоянная чистота. Отшлифованный до блеска пол покрывали светлыми соломенными циновками – татами, разделявшими комнату на ровные прямоугольники. Обувь снимали у порога, вещи содержали в стенных шкафах, кухня находилась отдельно от жилого помещения. В комнатах, как правило, не было постоянных вещей. Их вносили и уносили по мере надобности. Но каждая вещь в пустом помещении, будь то цветок в вазе, картина или лаковый столик, притягивала внимание и приобретала особую выразительность.

С оформлением пространства дома, храма, дворца или замка в средневековой Японии связанны все виды искусства. Каждый из них служил дополнением другого. Например искусно подобранный букет дополнял и оттенял настроения, переданные в пейзажной картине.

В изделиях декоративного искусства ощущалась та же безупречная точность, то же чувство материала, что и в отделке японского дома. Недаром при чайных церемониях, как самая большая драгоценность употреблялась посуда, вылепленная руками. Её мягкий и неровный черепок хранил след пальцев, лепивших сырую глину. Розово-жемчужный, бирюзово-лиловый или серо-голубой цвета поливы не были броскими, но в них ощущалось сияние самой природы, с жизнью которой связан каждый предмет японского искусства.

Японская керамика
Неглазурованные, вылепленные от руки и обожженные при невысокой температуре глиняные сосуды походили на керамику других древних народов. Но в них уже были особенности, присущие только японской культуре. В узорах разнообразных по форме кувшинов и блюд отразились представления о стихиях ураганов, морей и огнедышащих гор. Фантастика этих изделий словно была подсказана самой природой.

Массивные, достигающие почти метровой высоты кувшины с налепленным узором из выпуклых глиняных жгутов напоминают то извилистые раковины, то ветвистые коралловые рифы, то сплетения водорослей, то неровные края вулканов. Эти величественные и монументальные вазы, чаши служили не только бытовым, но и ритуальным целям. Но в середине 1-го тысячелетия до Р.Х. вошли в обиход изделия из бронзы и керамическая утварь утратила свое ритуальное назначение.

Рядом с керамическими появились новые изделия художественного ремесла – оружие, украшения, бронзовые колокола и зеркала.

Предметы быта японцев
В 9-12 веках нашей эры вкусы японской аристократии раскрылись в декоративных искусствах. Гладкие, не боящиеся влаги изделия из лака, присыпанные золотой и серебряной пудрой, легкие и нарядные, как бы освещали полумрак японских комнат, и составляли огромный круг предметов повседневности. Из лака создавались чаши и шкатулки, сундучки и столики, музыкальные инструменты. Каждая мелочь храмового и бытового обихода – серебряные приборы для еды, вазы для цветов, узорчатая бумага для писем, вышитые пояса – выявляла поэтическое и эмоциональное отношение японцев к миру.

Живопись Японии
С развитием монументального дворцового зодчества значительно активнее стала деятельность живописцев придворной школы. Художникам приходилось расписывать большие поверхности не только стен, но и многостворчатых бумажных складных ширм, которые играли в помещении роль и картин, и переносных перегородок. Особенностью творческой манеры талантливых мастеров стало выделение на обширной плоскости стенной панели или ширмы крупной, многоцветной детали пейзажа.

Исполненные Кано Эйтоку на золотых сияющих фонах густыми и сочными пятнами композиции цветов, трав, деревьев и птиц обобщали представления о мощи и великолепии мироздания. Представители школы Кано наряду с природными мотивами включали в росписи и новые сюжеты, отражающие жизнь и быт японского города 16 века.

На дворцовых ширмах располагались и монохромные пейзажи. Но в них появилась большая декоративная эффектность. Такова ширма, расписанная последователем Сэссю, Хасэгава Тохаку (1539-1610). Её белая матовая поверхность осмыслена живописцем как густая пелена тумана, из которого, как видения, внезапно вырываются силуэты старых сосен. Всего лишь немногими смелыми пятнами туши создает Тохаку поэтическую картину осеннего леса.

Монохромные пейзажные свитки с их неяркой красотой не могли соответствовать стилю дворцовых покоев. Но они сохранили значение как непреложная часть чайного павильона-тясицу, предназначенного для духовного сосредоточения и умиротворения.

Произведения искусства японских мастеров не только хранят верность древним стилям, но и всегда имеют в себе то новое, что нет ни у одного другого произведения искусства. В японском искусстве нет места штампам, шаблонам. В нем, как и в природе нет двух совершенно одинаковых творений. И даже сейчас произведения искусства японских мастеров нельзя спутать с произведениями искусства других стран. В японском искусстве время замедлило свой ход, но оно не остановилось. В японском искусстве традиции далекой древности дожили до наших дней.

Огромный регион, условно именуемый Дальним Востоком, включает в себя Китай, Японию, Корею, Монголию и Тибет -- страны, имеющие ряд сходных черт, но одновременно и значительные различия в культуре.

Все страны Дальнего Востока испытывали воздействие древних цивилизаций Китая и Индии, где ещё в 1мтысячелетии до нашей эры возникли философско-религиозные учения, положившие начало представлению о природе как всеобъемлющем Космосе -- живом и одухотворённом организме, который живёт по своим собственным законам. Природа оказалась в центре философских и художественных исканий всего средневекового периода, а её закономерности считались универсальными, определявшими жизнь и взаимоотношения людей. С многообразными проявлениями природы сопоставлялся внутренний мир человека. Это повлияло на развитие символического метода в изобразительном искусстве, определив его иносказательный поэтический язык. В Китае, Японии и Корее под влиянием подобного отношения к природе формировались виды и жанры искусства, строились архитектурные ансамбли, тесно связанные с окружающим ландшафтом, зарождалось садово-парковое искусство и, наконец, происходил рассвет пейзажной живописи. Под влиянием древнеиндийской цивилизации стал распространяться буддизм, а в Монголии и Тибете -- также индуизм. Эти религиозные системы принесли в страны Дальнего Востока не только новые для них идеи, но и оказали непосредственное влияние на развитие искусства. Благодаря буддизму во всех странах региона появился неизвестный прежде новый художественный язык скульптуры и живописи, были созданы ансамбли, характерной особенностью которых стало взаимодействие архитектуры и изобразительного искусства.

Особенности изображения буддийских божеств в скульптуре и живописи складывались на протяжении многих веков как особый язык символов, выражавший представления о мироздании, нравственных законах и предназначении человека. Таким образом закреплялись и сохранялись культурный опыт и духовные традиции многих народов. В образах буддийского искусства воплощались идеи противоборства добра и зла, милосердия, любви и надежды. Все эти качества определили своеобразие и общечеловеческую значимость выдающихся творений дальневосточной художественной культуры.

Япония расположена на островах Тихого океана, протянувшихся вдоль восточного побережья Азиатского материка с севера на юг. Японские острова находятся в зоне, подверженной частым землетрясениям и тайфунам. Жители островов привыкли постоянно быть настороже, довольствоваться скромным бытом, быстро восстанавливать жилище и хозяйство после стихийных бедствий. Несмотря на природные стихии, постоянно угрожающие благополучию людей, японская культура отражает стремление к гармонии с окружающим миром, умение видеть красоту природы в большом и малом.

В японской мифологии родоначальниками всего в мире считались божественные супруги, Идзанаги и Идзанами. От них произошла триада великих богов: Аматэрасу -- богиня Солнца, Цукиёми -- богиня Луны и Сусаноо -- бог бури и ветра. По представлениям древних японцев, божества не имели зримого облика, а воплощались в саму природу -- не только в Солнце и Луны, но и в горы и скалы, реки и водопады, деревья и травы, которые почитались как духи-ками (словоками в переводе с японского означает божественный ветер). Такое обожествление природы сохранялось на протяжении всего периода Средневековья и получило названиесинто -- путь богов, став японской национальной религией; европейцы называют её синтоизмом. Истоки японской культуры уходят корнями в глубокую древность. Самые ранние произведения искусства относятся к 4...2-му тысячелетиям до нашей эры. Наиболее длительным и самым плодотворным для японского искусства был период Средневековья (6...19й века).

Конструкция традиционного японского дома сложилась к 17...18-м векам. Он представляет собой деревянный каркас с тремя подвижными стенами и одной неподвижной. Стенами не несут функций опоры, поэтому они могут раздвигаться или даже сниматься, служить одновременно и окном. В тёплый сезон стены представляли собой решётчатую конструкцию, оклеенную полупрозрачной бумагой, пропускавшей свет, а в холодное и дождливое время их прикрывали или заменяли деревянными панелями. При большой влажности японского климата дом необходимо проветривать снизу. Поэтому он приподнят над уровнем земли на 60 см. Чтобы предохранить опорные столбы от гниения, их устанавливали на каменные основания.

Лёгкий деревянный каркас обладал необходимой гибкостью, что уменьшало разрушительную силу толчка при частых в стране землетрясениях. Кровля, черепичная или тростниковая, имела большие навесы, которые предохраняли бумажные стены дома от дождя и палящего летнего солнца, но не задерживали низких солнечных лучей зимой, ранней весной и поздней осенью. Под навесом кровли располагалась веранда.

Пол жилых комнат покрывали циновками -- татами, на которых главным образом сидели, а не стояли. Поэтому и все пропорции дома были ориентированы на сидящего человека. Поскольку в доме не было постоянной мебели, спали на полу, на специальных толстых матрацах, которые убирали днём в стенные шкафы. Ели, сидя на циновках, за низкими столиками, они же служили для различным занятий. Раздвижные внутренние перегородки, обтянутые бумагой или шёлком, могли делить внутренние помещения в зависимости от потребностей, что позволяло использовать его более разнообразно, однако полностью уединится внутри дома каждому его обитателю было невозможно, что повлияло на внутрисемейные отношения в японской семье, а в более общем смысле -- на особенности национального характера японцев. Важная деталь дома -- располагавшаяся у неподвижной стены ниша -- токонама, где могла висеть картина или стоять композиция из цветов -- икэбана. Это был духовный центр дома. В украшении ниши проявлялись индивидуальные качества обитателей дома, их вкусы и художественные наклонности.

Продолжением традиционного японского дома был сад. Он исполнял роль ограждения и одновременно связывал дом с окружающей средой. Когда раздвигали наружные стены дома, исчезала граница между внутренним пространством дома и садом и создавалось ощущение близости к природе, непосредственного общения с ней. Это было важной особенностью национального мироощущения. Однако японский города росли, размеры сада уменьшались, нередко его заменяла небольшая символическая композиция из цветов и растений, которая выполняла ту же роль соприкосновения жилища с миром природы. японский мифология дом икэбана нэцкэ

Искусство расстановки цветов в вазах -- икэббна (жизнь цветов) -- восходит к древнему обычаю возложения цветов на алтарь божества, который распространился в Японии вместе с буддизмом в 6м веке. Чаще всего композиция в стиле того времени -- рикка (поставленные цветы) -- состояла из ветки сосны или кипариса и лотосов, роз, нарциссов, установленных в старинных бронзовых сосудах.

С развитием светской культуры в 10...12мвеках композиции из цветов устанавливали во дворцах и жилых покоях представителей аристократического сословия. При императорском дворе стали популярны особые состязания по составлению букетов. Во второй половине 15говека появилось новое направление в искусстве икэбаны, основателем которого был мастер Икэнобо Сэнъэй. Произведения школы Икэнобо отличались особой красотой и изысканностью, их устанавливали у домашних алтарей, преподносили в качестве подарков. В 16м столетии с распространением чайных церемоний сформировался специальный вид икэбаны для украшения ниши-токономав чайном павильоне. Требование простоты, гармонии, сдержанной цветовой гаммы, предъявлявшейся ко всем предметам чайного культа, распространялись и на оформление цветов-- тябана (икэбана для чайной церемонии). Знаменитый мастер чая Сэнно Рикю создал новый, более свободный стиль -- нагэирэ (небрежно поставленные цветы), хотя именно в кажущейся беспорядочности заключалась особая сложность и красота образов этого стиля. Одним из видов нагэирэ была так называемая цурибана, когда растения помещались в подвешенном сосуде в форме лодочки. Такие композиции подносили человеку, вступавшему в должность или оканчивающему учёбу, так как они символизировали “выход в открытое житейское море”. В 17...19мвеках искусство икэбаны получило широкое распространение, возник обычай обязательного обучения девушек искусству составления букетов. Однако из-за популярности икэбаны композиции упростились, пришлось отказаться от строгих правил стилярикка в пользу нагэирэ, из которого выделился ещё один новый стиль сэйка или сёка (живые цветы). В конце 19го века мастер Охара Усин создал стиль морибана, основное новшество которого заключалось в том, что цветы размещались в широких сосудах.

В композиции икэбаны присутствует, как правило, три обязательных элемента, обозначающие три начала: Небо, Землю и Человека. Они могут воплощаться цветком, веткой и травой. Их соотношение друг с другом и дополнительными элементами создаёт разные по стилю и содержанию произведения. Задача художника состоит не только в том, чтобы создать красивую композицию, но и наиболее полно передать в ней собственные раздумья о жизни человека и его месте в мире. Произведения выдающихся мастеров икэбаны могут выражать надежду и грусть, душевную гармонию и печаль.

По традиции в икэбане, обязательно воспроизводится время года, а сочетание растений образует общеизвестные в Японии символические благопожелания: сосна и роза -- долголетие; пион и бамбук -- процветание и мир; хризантема и орхидея -- радость; магнолия -- духовная чистота итп.

Миниатюрная скульптура -- нэцкэ получила широкое распространение в 18...19 веках как один из видов декоративно-прикладного искусства. Появление её связано с тем, что национальный японский костюм -- кимоно -- не имеет карманов и все необходимые мелкие предметы (трубка, кисет, коробочка для лекарствитп) прикрепляются к поясу с помощью брелока-противовеса. Нэцкэ поэтому обязательно имеет отверстие для шнурка, с помощью которого к нему прикрепляется нужный предмет. Брелоки в виде палочки и пуговицы употреблялись и раньше, но с конца 18говека над созданием нэцкэ уже работали известные мастера, ставившие свою подпись на произведениях.

Нэцкэ -- искусство городского сословия, массовое и демократичное. По сюжетам нэцкэ можно судить о духовных запросах, повседневных интересах, нравах и обычаях горожан. Они верили в духов и демонов, которых часто изображали в миниатюрной скульптуре. Они любили фигурки “семи богов счастья”, среди которых наиболее популярны были бог богатства Дайкоку и бог счастья Фукуроку. Постоянными сюжетами нэцкэ были следующие: растрескавшийся баклажан со множеством семян внутри -- пожелание большого мужского потомства, две уточки -- символ семейного счастья. Огромное число нэцкэ посвящено бытовым темам и повседневной жизни города. Это бродячие актёры и фокусники, уличные торговцы, женщины за разными занятиями, странствующие монахи, борцы, даже голландцы в их экзотической, с точки зрения японцев, одежде -- широкополых шляпах, камзолах и брюках. Отличаясь тематическим разнообразием, нэцкэ сохраняли свою изначальную функцию брелока, и это предназначение диктовало мастерам компактную форму без хрупких выступающих деталей, округлённую, приятную на ощупь. С этим связан и выбор материала: не очень тяжёлого, прочного, состоящего из одного куска. Самыми распространёнными материалами были разные породы дерева, слоновая кость, керамика, лак и металл.

Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера.

О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Хэйан (794...1185 годы). Это иллюстрации знаменитой “Повести о принце Гэндзи” писательницы Мурасаки Сикибу. Иллюстрации были выполнены на нескольких горизонтальных свитках и дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина 12 века).

Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни свойственное им очарование, под час неуловимое и ускользающие. Живопись того времени, получившая в последствии название ямато-э (в буквальном переводеяпонская живопись), передавала не действие, а состояние души. Когда пришли к власти суровые и мужественные представители военного сословия, наступил закат культуры Хэйанской эпохи. В живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов. В 14...15 веках под воздействием учения секты Дзэн с его особым вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись (первоначально под влиянием китайских образцов).

В течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему, сделав одноцветную пейзажную живопись достоянием национального искусства. Её наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420...1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. В своих пейзажах он, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками чёрной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и её бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.

16 столетие открывает эпоху так называемого позднего Средневековья, продолжавшегося три с половиной столетия. В это время получили распространение настенные росписи, украшавшие дворцы правителей страны и крупных феодалов. Одним из основоположников нового направления в живописи был знаменитый мастер Кано Эйтоку, живший во второй половине 16 века. Гравюра на дереве (ксилография), расцвет которой относится к 18...19 векам, стало ещё одним видом изобразительного искусства Средневековья. Гравюру, как и жанровую живопись, назвали укиё-э (картины повседневного мира). В создании гравюры помимо художника, который создавал рисунок и писал своё имя на готовом листе, участвовали резчик и печатник. Сначала гравюра была однотонной, её раскрашивал от руки сам художник или покупатель. Затем изобрели печать в два цвета, а в 1765 художник Судзуки Харунобу (1725...1770) впервые применил многоцветную печать. Для этого резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры. Иногда их было больше 30и. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, чтобы добиться точного совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных деревянных досок. Все гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательные, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал лица актёров, подчёркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонаж пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство.

В бытописательной гравюре прославились такие выдающиеся художники как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро. Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. Его героини как будто застыли на мгновение и сейчас продолжат своё плавное грациозное движение. Но эта пауза -- наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувства, которым они живут.

Самым известным мастером гравюры был гениальный художник Кацусика Хокусай (1776...1849). Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай исполнил более 30 000 рисунков и проиллюстрировал около 500 книг. Будучи уже семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных произведений -- серию “36 видов Фудзи”, позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору Фудзи -- национальный символ Японии -- из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Художник увидел жизнь как единый процесс во всём многообразии её проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и заканчивая окружающей природой с её стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, --последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, её замечательный итог.

Япония всегда отличалась трепетным отношением к сохранению и воспроизводству своих древних традиций, и эта замечательная особенность делает Страну восходящего солнца уникальным местом, где современные инновации гармонично сочетаются с многовековыми культурными традициями в жизни обычных японцев.

Если вы уже бывали в Японии, то, несомненно, сталкивались с красно-черными мисками для супа, подносами, палочками для еды и другими лакированными предметами (их достаточно низкокачественные аналоги можно обнаружить и у нас в стране). Лаковое искусство – одно из традиционных японских ремесел, возникшее в древние времена – первые изделия были обнаружены в Японии еще в период Дзёмон (14 000-300 гг. до н.э.) – и сохранившееся до настоящего времени. В Новое время японские лакированные изделия активно экспортировались и стали своеобразным «брендом» страны – неслучайно в западном мире слово «japan» обрело второе значение – «лак, лакированное изделие, наносить лак».

Японский лак – это органическое вещество, сделанное из сока дерева urushi (漆), который добывается путем нанесения царапин на дерево. Также называется и получаемый лак. Есть мнение, что это слово происходит от двух других японских слов: uruwashii (麗しい), что означает «красивый, прекрасный», и uruosu (潤す), что означает «увлажнять». Сам иероглиф urushi, в отличие от других названий деревьев, которые записываются с помощью ключа «дерево» [木] (桜 – сакура, 梅 – слива, 松 – сосна и др.), имеет ключ «вода» [氵], который подчеркивает, что это дерево больше ценится из-за воды, то есть сока, содержащегося в нем. По-японски лакированные изделия называются shikki (漆器: 漆 «лак, лаковое дерево» + 器 «инструмент, принадлежности») или nurimono (塗物: 塗る «наносить, красить» + 物 «вещь, предмет»).

Затвердевший лак образует защитное покрытие, которое отталкивает воду и предотвращает гниение предмета, а также делает его менее подверженным воздействию кислот, щелочей, солей и спирта. В качестве материала для изделий используют древесину (наиболее распространенный материал), кожу, бумагу, керамику, стекло, металл и даже пластмассу. Существует множество способов создания и украшения лакированных изделий. Давайте сегодня немного поговорим о самых известных видах этого японского ремесла.

Лакированные изделия Оучи

Лаковое искусство Оучи возникло в префектуре Ямагути (山口県) благодаря усилиям военачальника Оучи Хироё (1325-1380). Стремясь превратить свои владения в подобие столицы того времени Киото (京都), он активно приглашал различных мастеров и ремесленников, в результате чего сочетание навыков и идей киотских умельцев с местными традициями породило новую уникальную культуру.

Лакированные изделия Кисю

Примерно в 14-16 вв. буддийские монахи в храме Негородзи (в районе современного города Иваде (岩出市), префектура Вакаяма (和歌山県) начали производство лакированных изделий утилитарного характера - палочек для еды, подносов, чаш, а также религиозного культа – предметы для молитв и мантр. Поскольку их мастерство не отличалось совершенством, кое-где на готовых предметах присутствовали пятна. Такой особый стиль изделий был назван Негоро. В 17 веке при поддержке властей княжества Кисю лакированные изделия монахов получили известность, и за ними закрепилось название этой местности.

Лакированные палочки Вакаса

Эти лакированные кухонные принадлежности производятся в городе Обама (小浜市) префектуры Фукуи (福井県). Здесь производится более 80% всех лакированных палочек для еды в Японии. Такие необычайной красоты и изящества палочки являются популярным свадебным подарком в Стране восходящего солнца.

Лакированные изделия Одавара

Префектура Канагава (神奈川県). Этот вид лакового искусства ведет свое происхождение с периода Камакура (1185-1333), когда сильный и влиятельный клан Ходзё активно содействовал развитию ремесла, превратив город Одавара (小田原市) в центр производства лаков. В эпоху Эдо (1603-1868) большое количество таких изделий вывозилось в Эдо (нынешний Токио) – чаши, подносы и даже лакированные доспехи.

Лакированные изделия Кагава

Префектура Кагава (香川県). В 1638 году в эти места по назначению сёгуната приезжает даймё Ёрисиге Мацудайра. Он отличался любовью к лакированным изделиям и скульптурам, поэтому стал развивать эти виды декоративно-прикладного искусства в своих владениях. Два века спустя благодаря деятельности мастера Цукоку Тамакадзи (1807-1869) лакированная посуда Кагава стала известна по всей стране. Использование специальных методов шлифовки и полировки насыщает изделия необычайным блеском.

Лакированные изделия Вадзима

Префектура Исикава (石川県). Самый древний сохранившийся пример искусства этого вида - лакированные ворота храма Сигедзо в городе Вадзима (輪島市), построенные около 1397 года. В период Эдо (1603-1868 гг.) был изобретен порошок «зиноко» из измельченной обожженной глины, который сделал эти лакированные изделия невероятно прочными, что в значительной степени повлияло на их спрос среди населения.

Лакированные изделия Айзу

Изделия айзу являются одним из традиционных видов искусства префектуры Фукусима (福島県). Появление этого ремесла восходит к 1590 году, когда местный феодал Гамо Удзисато стал созывать мастеров из своих прежних владений, передав им затем новейшие техники ремесла того времени. В результате Айзу стал одним из крупнейших производителей лакированных изделий. Расширение производства привело к возможности вывозить продукцию в Китай и Голландию, что прославило регион в других странах.

Лакированные изделия Цугару

Цугару – это название западной части префектуры Аомори (青森県). Лаковое искусство Цугару возникло в 17-18 вв., когда в период Эдо в городах поощрялось развитие промышленности. Стиль цугару возник в результате этого подъема, когда мастера и ремесленники этой местности получили стимул и возможности для дальнейшего развития своих навыков. При создании изделий и в настоящее время используется метод, которым пользовались еще более 300 лет назад.

Мы рассмотрели несколько основных стилей японского лакового искусства. Несомненно, их намного больше, и многие дополняются новыми техниками и совершенствуются.

Японское ремесло создания лакированных изделий возникло в древние времена и сохранилось и поныне, являясь одним из самых изящных, гармоничных, эффектных видов декоративно-прикладного искусства в мире. Это одна из культурных традиций, без рассмотрения которой мы будем неспособны воспринять в полном объеме видение мира, эстетические принципы и характер японского народа.

Неопытному человеку поначалу может быть сложно разбираться во всех видах лакированных изделий. Поэтому лучше самому походить по магазинам, где они продаются, посмотреть на них вживую, пообщаться с продавцом и, если захотите купить что-то для себя и своих знакомых в качестве подарка, выбрать предмет по душе.

Если Вы собираетесь посетить Страну восходящего солнца, вам могут пригодиться наши курсы: пройдите по и запишитесь прямо сейчас!

Красоту, скрытую в вещах, японцы открыли в IX-XII веках, в эпоху Хэйан (794 -1185 гг) и даже обозначили ее особым понятием «моно-но аварэ» (яп.物の哀れ (もののあわれ)), что значит «печальное очарование вещей». «Очарование вещей» — одно из наиболее ранних в японской литературе определений прекрасного, оно связано с синтоистской верой в то, что в каждой вещи заключено своё божество — ками — и своё неповторимое очарование. Аварэ — это внутренняя суть вещей, то, что вызывает восторг, взволнованность.

- Васи (wasi) или вагами (wagami).
Ручное изготовление бумаги. Средневековые японцы ценили васи не только за ее практические качества, но и за красоту. Она славилась своей тонкостью, почти прозрачностью, что, впрочем, не лишало ее прочности. Васи изготавливается из коры дерева кодзо (шелковицы) и некоторых других деревьев.
Бумага васи сохраняется в течение столетий, свидетельство тому альбомы и тома старинной японской каллиграфии, картины, ширмы, гравюры, дошедшие сквозь века до наших дней.
Бумага Васи волокнистая, если посмотреть в микроскоп, будут видны щели, сквозь которые проникает воздух и солнечный свет. Это качество используется при изготовлении ширм и традиционных японских фонариков.
Сувениры из васи очень популярны среди европейцев. Множество маленьких и полезных предметов изготавливается из этой бумаги: кошельки, конверты, веера. Они достаточно прочны и при этом легки.

- Гохэй.
Талисман из бумажных полосок. Гохэй - ритуальный жезл синтоистского священника, к которому прикрепляются бумажные зигзагообразные полоски. Такие же полоски бумаги вывешивают у входа в синтоистский храм. Роль бумаги в синтоизме традиционно была очень велика, и изделиям из нее всегда придавался эзотерический смысл. А вера в то, что каждая вещь, каждое явление, даже слова, содержат в себе ками - божество — объясняет и появление такого вида прикладного искусства, как гохэй. Синтоизм в чем-то очень похож на наше язычество. Для синтоистов ками поселяется особенно охотно во всем, что необычно. Например, в бумаге. А тем более в закрученном в мудреный зигзаг гохэй, который висит и сегодня перед входом в синтоистские святилища и указывает на присутствие божества в храме. Существует 20 вариантов складывания гохэй, и те, которые сложены особенно необычно, привлекают ками. По преимуществу гохэй белого цвета, но встречаются также золотистые, серебристые и многих прочих оттенков. С IX века в Японии живет обычай укреплять гохэй на поясах борцов сумо перед началом схватки.

- Анэсама.
Это изготовление кукол из бумаги. В 19 веке жены самураев делали из бумаги куклы, в которые играли дети, переодевая их в разные одежды. Во времена, когда не было игрушек, анэсама являлась для детей единственным собеседником, «исполняя» роль матери, старшей сестры, ребенка и друга.
Кукла сворачивается из японской бумаги васи, волосы делаются из жатой бумаги, окрашиваются тушью и покрываются клеем, что придает им глянец. Отличительной особенностью является миленький носик на удлиненном лице. Сегодня эта простая, не требующая ничего, кроме умелых рук, традиционная по форме игрушка продолжает изготавливаться так же, как и раньше.

- Оригами.
Древнее искусство складывания фигурок из бумаги (яп. 折り紙, букв.: «сложенная бумага»). Искусство оригами своими корнями уходит в древний Китай, где и была изобретена бумага. Первоначально оригами использовалось в религиозных обрядах. Долгое время этот вид искусства был доступен только представителям высших сословий, где признаком хорошего тона было владение техникой складывания из бумаги. Только после второй мировой войны оригами вышло за пределы Востока и попало в Америку и Европу, где сразу обрело своих поклонников. Классическое оригами складывается из квадратного листа бумаги.
Существует определённый набор условных знаков, необходимых для того, чтобы зарисовать схему складывания даже самого сложного изделия. Бо́льшая часть условных знаков была введена в практику в середине XX века известным японским мастером Акирой Ёсидзавой.
Классическое оригами предписывает использование одного квадратного равномерно окрашенного листа бумаги без клея и ножниц. Современные формы искусства иногда отходят от этого канона.

- Киригами.
Киригами - искусство вырезания различных фигур из сложенного в несколько раз листа бумаги с помощью ножниц. Вид оригами, в котором допускается использование ножниц и разрезание бумаги в процессе изготовления модели. Это основное отличие киригами от других техник складывания бумаги, что подчёркнуто в названии: 切る (киру) — резать, 紙 (гами) — бумага. Все мы в детстве любили вырезать снежинки - вариант киригами, вырезать в такой технике можно не только снежинки, но и различные фигурки, цветочки, гирлянды и другие милые вещи из бумаги. Эти изделия можно использовать в качестве трафаретов для принтов, украшения альбомов, открыток, фоторамок, в дизайне одежды, интерьера и другого различного декорирования.

- Икэбана.
Икэбана, (яп 生け花 или いけばな) в переводе с японского языка - икэ” - жизнь, “бана” - цветы, или “цветы, которые живут”. Японское искусство аранжировки цветов - одна из красивейших традиций японского народа. При составлении икэбана наряду с цветами используются срезанные ветки, листья и побеги..Основополагающим является принцип изысканной простоты, для достижения которого стараются подчеркнуть естественную красоту растений. Икэбана -это создание новой природной формы, в которой гармонично соединяются красота цветка и красота души мастера, создающего композицию.
Сегодня в Японии существуют 4 крупнейших школы икэбана: Икэнобо (Ikenobo) , Корю (Koryu), Охара (Ohara), Согэцу (Sogetsu). Кроме них есть еще около тысячи различных направлений и течений, придерживающихся одной из этих школ.

- Орибана.
В середине 17 века из икенобо отошли две школы охара (основная форма икэбаны - орибана) и корю (основная форма - ссека). Кстати, школа охара до сих пор изучает только орибану. Как говорят японцы, очень важно, чтобы оригами не превратилось в оригоми. Гоми по-японски значит мусор. Ведь как бывает, сложил бумажку, а дальше что с ней делать? Орибана предлагает очень много идей букетов для украшения интерьера. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Ошибана.
Вид изобразительного искусства, рожденного флористикой. У нас флористика появилась восемь лет назад, хотя в Японии существует более шестисот лет. Когда-то в средние века самураи постигали путь воина. И ошибана была частью этого пути, такой же, как написание иероглифов и владение мечом. Смысл ошибаны заключался в том, что в состоянии тотального присутствия в моменте (сатори) мастер создавал картину из сухоцветов (пресованых цветов). Потом эта картина могла служить ключом, проводником для тех, кто был готов войти в безмолвие и пережить то самое сатори.
Суть искусства "ошибана" состоит в том, что, собирая и засушивая под прессом цветы, травы, листья, кору и наклеивая их на основу, автор создает при помощи растений поистине произведение "живописи". Другими словами, ошибана - это живопись растениями.
Художественное творчество флористов основано на сохранении формы, цвета и фактуры растительного засушенного материала. Японцы разработали методику предохранения картин «ошибана» от выгорания и потемнения. Суть ее в том, что между стеклом и картиной откачивается воздух и создается вакуум, который не дает растениям портиться.
Привлекает не только нетрадиционность этого искусства, но и возможность проявить фантазию, вкус, знание свойств растений. Флористы выполняют орнаменты, пейзажи, натюрморты, портреты и сюжетные картины.

- Бонсаи.
Бонсай, как явление, появился более тысячи лет назад в Китае, однако пика своего развития эта культура достигла лишь в Японии. (бонсаи - яп. 盆栽 букв. «растение в горшке») — искусство выращивания точной копии настоящего дерева в миниатюре. Эти растения выращивались буддийскими монахами, за несколько веков до нашей эры и впоследствии превратились в одно из занятий местной знати.
Бонсаи украшали японские дома и сады. В эру Токугава парковый дизайн получил новый толчок: выращивание азалий и клёнов стало времяпрепровождением богатых людей. Карликовое растениеводство (хати-но-ки — «дерево в горшке») тоже развивалось, но бонсаи того времени были очень большими.
Сейчас для бонсаи используются обычные деревья, маленькими они становятся благодаря постоянным подрезкам и различным другим методам. При этом соотношения размеров корневой системы, ограниченной объёмом плошки, и наземной части бонсай соответствует пропорциям взрослого дерева в природе.

- Мидзухики.
Аналог макраме. Это древнее японское прикладное искусство завязывания различных узлов из специальных шнуров и создания узоров из них. Подобные произведения искусства имели чрезвычайно широкую область применения - от подарочных открыток и писем до причёсок и сумочек. В настоящее время мидзухики чрезвычайно широко используется в индустрии подарков - к каждому событию в жизни полагается подарок, завёрнутый и обвязанный совершенно определённым образом. Узлов и композиций в искусстве мидзухики существует чрезвычайно много и далеко не каждый японец знает их все наизусть. Конечно, существуют наиболее распространённые и простые узлы, которые используются наиболее часто: при поздравления с рождением ребёнка, на свадьбу или поминки, день рождения или поступление в университет.

- Кумихимо.
Кумихимо - это японское плетение шнурков-косичек. При переплетении ниток получаются тесемки и шнурочки. Плетутся эти шнурки на специальных станках - Марудай и Такадай. Станок Марудай используется для плетения круглых шнурков, а Такадай - плоских. Кумихимо в переводе с японского означает «плетение веревок» (kumi — плетение, складывание вместе, himo — веревка, шнурок). Несмотря на то, что историки упорно настаивают, будто подобное плетение можно встретить у скандинавов и жителей Анд, японское искусство кумихимо — действительно одно из самых древних видов плетения. Первое упоминание о нем относится к 550 году, когда буддизм распространился по всей Японии и специальные церемонии потребовали специальных украшений. Позже шнурки кумихимо стали использовать как фиксатор пояса оби на женском кимоно, в качестве веревок для «упаковки» всего самурайского арсенала оружия (кумихимо самураи использовали в декоративных и функциональных целях, чтобы завязывать свои доспехи и доспехи лошади) а также для связки тяжелых предметов.
Разнообразные узоры современных кумихимо плетутся очень легко на самодельных станках из картона.

- Комоно.
Что остается от кимоно, после того как оно отслужило свой срок? Думаете, его выбрасывают? Ничего подобного! Японцы не сделают так никогда. Кимоно вещь дорогая. Вот так просто выкинуть ее немыслимо и невозможно… Наряду с другими видами вторичного использования кимоно, из мелких лоскутков мастерицы делали маленькие сувениры. Это и маленькие игрушки детям, куколки, броши, гирлянды, женские украшения и прочие изделия, старое кимоно используется при изготовлении маленьких милых вещиц, которые обобщенно называются «комоно». Мелочи, которые будут жить собственной жизнью, продолжая путь кимоно. Это и означает слово «комоно».

- Канзаши.
Искусство украшения заколок для волос (чаще всего украшались цветами (бабочками и тд.) из ткани (в основном шёлк). Японская канзаши (kanzashi) — это длинная шпилька для традиционной японской женской прически. Они делались из дерева, лака, серебра, черепахового панциря, используемые в традиционных китайских и японских прическах. Примерно 400 лет назад, в Японии изменился стиль женской прически: женщины перестали причесывать волосы в традиционной форме - taregami (длинные прямые волосы) и стали укладывать их в затейливые и причудливые формы - nihongami. Для укладки волос использовали различные предметы - шпильки, палочки, гребни. Именно тогда даже простая расческа-гребень kushi превращается в изящный необыкновенной красоты аксессуар, который становится настоящим произведением искусства. Японский женский традиционный костюм не допускал наручных украшений и ожерелий, поэтому украшения причесок являлись главной красотой и полем для самовыражения - а так же демонстрации вкуса и толщины кошелька владелицы. На гравюрах можно видеть - если присмотреться - как японки запросто навешивали в свои прически до двадцати дорогих канзаши.
В настоящее время наблюдается возрождение традиций использовать канзаши среди молодых японских женщин, которые желают добавить изысканности и элегантности своим прическам, современные заколки могут быть украшены всего одним-двумя изящными рукодельными цветками.

- Кинусайга.
Удивительный вид рукоделия из Японии. Кинусайга (kinusaiga, 絹彩画) это нечто среднее между батиком и лоскутным шитьем. Основная идея заключается в том, что из старых шелковых кимоно по кусочкам собирают новые картины - истинные произведения искусства.
Сначала художник делает эскиз на бумаге. Затем этот рисунок переводится на деревянную досточку. Контур рисунка прорезается желобками, или канавочками, А затем из старого шелкового кимоно нарезаются маленькие, подходящие по цвету и тону лоскутки, и края этих лоскутков заполняют канавки. Когда смотришь на такую картину, возникает ощущение, что смотришь на фотографию, или даже просто наблюдаешь пейзаж за окном, настолько они реалистичны.

- Тэмари.
это традиционные японские геометрически вышитые шары, выполненые простейшими стежками, которые когда-то служили детской игрушкой, а теперь стали формой прикладного искусства, имеющим множество поклонников не только в Японии, но и во всем мире. Считается, что давным-давно данные изделия изготавливались женами самураев для развлечения. В самом начале они действительно использовались в качестве шара для игры в мяч, но шаг за шагом стали приобретать художественные элементы, превратившись позже в декоративные украшения. Нежная красота этих шаров известна по всей Японии. И сегодня красочные, тщательно изготовленные изделия, являются одним из видов народных промыслов Японии.

- Юбинуки.
Японские наперстки, при ручном шитье или вышивке их надевают на среднюю фалангу среднего пальца рабочей руки, при помощи кончиков пальцев игле придаётся нужное направление, а кольцом на среднем пальце игла проталкивается в работе. Первоначально японские напёрстки юбинуки изготавливались довольно просто - полоска плотной ткани или кожи шириной около 1 см в несколько слоёв плотно оборачивалась вокруг пальца и была скреплена вместе несколькими простыми декоративными стежками. Поскольку юбинуки были необходимым предметом в каждом доме, их стали украшать геометрической вышивкой шелковыми нитями. Из переплетения стежков создавались красочные и сложные узоры. Юбинуки из простого предмета быта превратился также и в предмет для "любования", украшения повседневной жизни.
Юбинуки всё ещё используются при шитье и вышивке, но кроме этого их можно встретить и просто носимыми на руках на любом пальце, как декоративные кольца. Вышивкой в стиле юбинуки украшают разные предметы в форме кольца - кольца для салфеток, браслеты, подставки для темари, украшенные вышивкой юбинуки, ещё в таком же стиле бывают вышитые игольницы. Yзоры юбинуки могут быть прекрасным источником вдохновения для вышивки оби в темари.

- Суйбокуга или сумиэ.
японская живопись тушью. Этот китайский стиль живописи был заимствован японскими художниками в XIV в., а к концу XV в. превратился в основное направление живописи Японии. Суйбокуга монохромна. Она характеризуется использованием черной туши (суми), твердой формы древесного угля или производимой из сажи китайской туши, которая растирается в тушечнице, разбавляется водой и наносится кистью на бумагу или шелк. Монохромность предлагает мастеру нескончаемый выбор тональных вариантов, которые китайцы давным — давно признали «цветами» туши. Суйбокуга иногда допускает использование настоящих цветов, но ограничивает его тонкими, прозрачными мазками, которые всегда остаются подчиненными линии, исполненной тушью. Живопись тушью разделяет с искусством каллиграфии такие существенные характеристики, как жестко контролируемая экспрессия и техническое мастерство формы. Качество живописи тушью сводится, как и в каллиграфии, к целостности и сопротивлению на разрыв проведенной тушью линии, которая как бы держит на себе произведение искусства, подобно тому, как кости держат на себе ткани.

- Этэгами.
Рисованные открытки (э - картина, тэгами - письмо). Создание открыток своими руками - вообще очень популярное занятие в Японии, а перед праздником его популярность еще более возрастает. Японцы любят посылать открытки своим друзьям, и получать их тоже любят. Это вид быстрого письма на специальных бланках-заготовках, его можно отправить по почте без конверта. В этегами нет специальных правил или техник, это может любой человек без специальной подготовки. Этагами помогает точно выразить настроение, впечатления, это открытка сделанная своими руками состоящая из картины и краткого письма, передающая эмоции отправителя, такие как теплоту, страсть, заботу, любовь и т.д. Шлют эти открытки на праздники и просто так, изображая сезоны, действия, овощи и фрукты, людей и животных. Чем проще нарисована эта картина, тем интереснее она выглядит.

- Фурошики.
Японская техника упаковки или искусство складывания ткани. Фурошики вошли в быт японцев давно. Сохранились древние свитки периодов Камакура-Муромати (1185 - 1573 гг.) с изображениями женщин, несущих на головах упакованные в ткани связки одежды. Эта интересная техника зародилась ещё в 710 - 794 нашей эры в Японии. Слово "фурошики" буквально переводится как "банный коврик" и представляет собой квадратный кусок ткани, который использовался для заворачивания и переноски предметов любых форм и размеров.
В старину в японских банях (фуро) было принято ходить в лёгких хлопковых кимоно, которые посетители приносили с собой из дома. Купальщик также приносил специальный коврик (шики), на котором стоял, пока раздевался. Переодевшись в "банное" кимоно, посетитель оборачивал свою одежду ковриком, а после бани заворачивал в коврик мокрое кимоно, чтобы донести его до дома. Таким образом, коврик для бани превратился в многофункциональную сумку.
Фурошики очень удобен в применении: ткань принимает форму предмета, который вы заворачиваете, а ручки позволяют легко перенести груз. Кроме того, подарок, завернутый не в жесткую бумагу, а в мягкую, многослойную ткань, приобретает особую выразительность. Существует множество схем складывания фурошики на любые случаи жизни, повседневные или праздничные.

- Амигуруми.
Японское искусство вязания на спицах или крючком маленьких мягких зверушек и человекоподобных существ. Амигуруми (яп. 編み包み, букв.: «вязанное-завёрнутое»)— это чаще всего симпатичные животные (такие как мишки, зайчики, кошечки, собачки и др.), человечки, но это могут быть и неодушевлённые объекты наделённые человеческими свойствами. Например, кексы, шляпы, сумочки и другие. Амигуруми вяжут или спицами или крючком. В последнее время амигуруми связанные крючком стали более популярны и более часто встречаются.
вяжутся из пряжи простым способом вязания — по спирали и, в отличие от европейского способа вязания, круги обычно не соединяются. Они также вяжутся крючком меньшего размера относительно толщины пряжи, чтобы создать очень плотную ткань без каких-либо зазоров, через которые может вылезти набивочный материал. Амигуруми часто делают из частей и затем их соединяют, исключение составляют некоторые амигуруми, которые не имеют конечностей, а имеют только голову и туловище, которые составляют одно целое. Конечности иногда наполняются пластмассовыми кусочками, чтобы придать им живой вес, в то время как остальное тело наполняется волоконным наполнителем.
Распространению эстетики амигуруми способствует их миловидность («кавайность»).

Химедзи — один из наидревнейших замков Японии

Искусство Японии древнейшего периода
Японская культура складывалась и развивалась в особых природных и исторических условиях. Япония расположена на четырех крупных и многих мелких островах, омываемых морями. Находясь на самом краю востока, она испытывала периодически усиливающееся, потом снова затухающее влияние таких материковых культур, как Китай и Корея. Периоды взаимодействия с внешним миром сменялись в японской истории долгими веками культурной изоляции (периоды с X по XIV и с XVII по сер. XIX в.). Последнее обстоятельство способствовало наработке и закреплению многих уникальных черт японской культуры в целом и искусства в частности. Знакомство с культурой Запада произошло в XVI в., когда основные черты самобытной японской цивилизации уже сформировались. До 1854 г. Япония осуществляла торговлю с Китаем и Голландией только через один порт.

От древнейших обитателей Японских островов - охотников и рыболовов - дошли обнаруженные в результате археологических раскопок Каменные топоры, гарпуны, наконечники стрел и вылепленные от руки керамические сосуды, получившие название из-за оттиснутого на них узора «Дзёмон», что означает «след веревки». Поэтому культуру неолита в Японии также называют Дзёмон. Прибывающие из Сибири, из Полинезии, а позднее из Кореи и Китая переселенцы стояли на разных ступенях культурного развития. Это объясняет то, что в одних культурных слоях обнаруживаются памятники как неолитической эпохи, так и эпохи бронзы. Язык японцев близок к языкам алтайской группы. Когда в результате контактов с китайской культурой японцы познакомились с китайской иероглифической письменностью, оказалось очень трудно приспособить китайскую иероглифику для передачи устной японской речи.

Начальный период культуры Японии, о котором сохранились достоверные данные, называется эпохой кофунов (курганов) - погребений, наземная часть которых представляла земляную насыпь характерной формы - соединение круга и трапеции, напоминающее замочную скважину, что символизировало союз земли и воды. Они были значительных размеров, их окружал двойной ров с водой, поверх кургана росла трава, а по внутреннему периметру насыпи располагались полые глиняные фигурки людей, животных, модели лодок и домов высотой от 30 см до полутора метров. Они назывались «ханива». Внутри погребальной каморы располагались гробы с умершими представителями знати, куда помещали ритуальные предметы: зеркало, колокол «дотаку», чье звучание должно было отпугивать злых духов и привлекать богов - покровителей землепашцев. В погребениях царей Ямато обязательно находились такие ритуальные символы власти, как нефритовые подвески и мечи. Для возвеличивания царей рода Ямато было установлено начало истории, определена иерархия богов, выделено божество Аматэрасу («С небес сияющая»), которое передало власть над японскими островами царям из клана Ямато. Название «Ниппон» или «Нихон», означающее «страна восходящего солнца», появилось в VII в. В 608 г. начались поездки для обучения в Китай, которые продолжались на протяжении двух с лишним веков.

Дотаку — ритуальные бронзовые колокола — суженные к верху цилиндры, увенчанные широкими петлями с фигурными выступами, стенки которых разделены на квадраты, заполненные графическими изображениями

Разнородные верования японцев, я которых очень много черт первобытного анимизма и фетишизма, нашли свое отражение в Синто. Синто («путь богов») по своей сути отражает представления японцев о всеобщей одухотворенности природы. Бесчисленное множество так называемых «ками» (духи) существует как в нерукотворных ландшафтных объектах, таких, как озеро Бива и гора Фудзи, так и в сотворенных людьми предметах - мечах, зеркалах, наделенных в силу этого магическими свойствами. Синтоистский храм отличала простота деревянной конструкции: на сваях помещалось однозальное помещение, со всех сторон окруженное верандой. Внутри синтоистского храма было полутемно и пусто. Верующие не заходили в храм.

Период Пара (645-794 гг. и.э.)

Нара - наименование первой столицы и единственного в то время города Японии. Это было время утверждения японской государственности, введения буддизма и создания памятников буддийского искусства - храмов, пагод, разнообразных статуй буддийских божеств. Буддизм в этот период был не столько верой народа, сколько продолжением политики двора. Различные секты буддизма играли очень значимую роль при дворе, земельные владения буддийских монастырей росли, монахи имели огромное влияние при дворе. Появляются буддийские монастыри, представляющие собой группы деревянных построек, расположенных на обнесенном стенами прямоугольном участке. Особое значение приобрели широкая аллея, идущая к парадным воротам, площадь перед храмом, видимая издали многоярусная пагода. Деревянные храмы были окрашены красным лаком, приподняты на каменных фундаментах, имели широкие изогнутые двойные крыши - иримоя.

Среди ранних буддистских храмов - Асукадэра, Хорюдзи, строительство последнего было начато в 607 г. по велению правящего тогда наследного принца Сетоку Тайси. Монастырь состоял из 53 зданий, размещенных на площади 90 тыс. кв. м. Фасадом храм обращен на юг, основные постройки размещены на оси север - юг, сакральная зона - север, там располагался зал для проповедей - кодо, кондо и пятиярусная пагода. В Хорюдзи находилось 265 статуй, главным скульптурным изображением была троица Шакьямуни, представленная скульптурой основателя вероучения, сопровождаемого двумя бодхисаттвами. В VIII в. при крупных монастырях уже имелись мастерские скульпторов. Распространился культ бодхисаттвы Каннон, чье имя было переводом санскритского имени Авалокитешвара (Внимающий звукам мира). Исполненный сострадания к живым существам, бодхисаттва способен внимать звукам страждующих, где бы они ни находились. Культ Авалокитешвары возник в северо-западной Индии, распространился в Китае. П «сутре Лотоса» говорилось о том, что бодхисаттва принимал облик тex существ, которые взывают к нему. В Японии распространение культа Каннон привело к появлению большого количества ее изображений - помогающей в аду святой Каннон, Каннон с головой лошади распространяет милосердие на скотов, злых духов - асуров спасает тысячерукая Каннон, Каннон с рыболовной лесой спасает людей.

Период Хэйан (794-1185 гг.)

В 794 г. столица государства была перенесена в город Хэйан (сейчас Киото). В период Хэйан расцвела утонченная придворная культура. Было создано японское слоговое письмо - кана (яп. - заимствованный иероглиф). Поначалу этим письмом пользовались только женщины, в то время как официальная письменность продолжала оставаться китайской. На протяжении X в. женское письмо стало использоваться в частной практике. В XI в. наступил период расцвета японской классической литературы, блестящим образцом ее является роман «Гэндзи Моногатари», созданный придворной дамой Мурасаки Сикибу.

В искусстве Хэйан главное место занимают буддийские образы пришедших в это время из Китая эзотерических сект Тэндай и Сингон, которые учили тому, что все живые существа обладают сущностью Будды. Тренируя дух и тело, выполняя обеты, любой способен обрести сущность Будды в процессе нескольких перерождений. Храмы этих сект строились на вершинах гор и скальных уступах, молельни в них делились на две части. Во внутреннюю, где находилось священное изображение, простые верующие не допускались.

Эпоха Хэйан - время роскоши правящих кругов. В это время формируется тип жилищ синдэн. Стены и условиях теплого климата не были капитальными и не имели опорного значения. Они очень легко могли быть раздвинуты, заменены более прочными на холодное время или же в теплое время сняты вовсе. Окон также не было. На решетчатый каркас вместо стекол натягивалась белая бумага, пропускающая в помещение неяркий рассеянный свет. Широкий карниз крыши предохранял стены от сырости и солнечных лучей. Внутреннее помещение, лишенное постоянной мебели, имело скользящие стены-перегородки, благодаря которым можно было по желанию создавать то зал, то несколько небольших изолированных комнат, пол устилали соломенными циновками - татами, одного размера (180 на 90 см).

Из Китая в период Хэйан привозили конфуцианские и буддийские тексты. Нередко они украшались изображениями. Первоначально японские художники копируют китайские «прославленные места», но начиная с X в. обращаются к изображению пейзажей и обычаев родной страны. Оформляется живопись «ямато-э», которая отличалась от Китайской живописи использованием тем из японской поэзии, новелл, романов или из народных легенд. Свое название живопись получила от названия района Ямато - юго-заладной части острова Хонсю, где сложились государственность Японии.
Изображение часто представляло свиток иллюстраций с соответствующим текстом, который брался руками и раскручивался справо налево, при прочтении соответствующего участка рассматривалась следующая за ним иллюстрация.

Пик расцвета живописи ямато-э приходится на поздний Хэйан. В это время появились художники-профессионалы, писавшие картины на светские сюжеты на ширмах, раздвижных перегородках (сёдзи) и свитках - эмакимоно. Старейший из свитков - «Гэндзи моногатари». Свитки эмакимано представляли собой картины-повести. До наших дней дошел свиток «Гэндзи-монога- тари-эмаки», знаменитый роман Мурасаки Сикибу, изображающий в ярких красках праздную жизнь аристократии, он представляет собой синтез каллиграфии, литературы и живописи. В сохранившихся 19 из 54 глав романа в иллюстрациях нет единого сюжета и сквозного действия. Большинство изображенных сцен происходит в интерьерах, все видимое показано сверху, нет единой точки схода линий, масштабного соответствия фигур и архитектуры, лица всех персонажей одинаковы, различны только прически и одежды. Главным предметом внимания художника является передача эмоционального содержания происходящих в романе событий, которые были хорошо известны всем. Основные приемы - построение пространства и использование возможностей цвета. Для передачи внутреннего состояния героев и атмосферы каждой сцены художнику важно, под каким углом по отношению к нижнему краю свитка направлены диагональные линии, обозначающие либо балки конструкций, либо карнизы занавесей, либо край веранды. В зависимости от степени эмоциональной напряженности угол этот меняется от 30 до 54 градусов.

Бодхисаттва — Каннон выступает в Китае, Корее и Японии преимущественно в женском облике, в руках с кувшином, веткой ивы и лассо

В домах аристократов не было никаких перегородок, на ширмах и занавесях лучшие художники рисовали картины ямато-э. Картины ямато-э составляли единство с литературными произведениями, которые также размещались на ширмах и занавесях. В антологиях поэзии X- XIII вв. нередки стихи, написанные на ширмах IX-X столетий. Самое большое количество таких стихотворений содержит антология «Суй- сю». Как поэзия была на тему четырех сезонов, так и живопись для ширм. В русле народной песенности складывалась, а затем стала основой японской классической поэтики определенная система поэтических формул. Так, знаком весны была туманная дымка, дерево ивы, знаком лета - кукушка, цикады, осени - алые листья клена, олень, луна, зимы - снег и цветы сливы.

Киото — древняя жемчужина Японии.

Обилие в языке омонимов давало возможность придать стихам много смыслов. Темы и сюжеты позволяли через деталь или намек при крайне лаконичной стихотворной форме (в танка 31 слог) выразить многообразие всех оттенков эмоциональных состояний. От ширм с текстами постепенно произошел переход к ширмам без текста. Так сложились собственно живописные жанровые подразделения - сики-э («картины четырех сезонов») и мэй- се-э («картины прославленных мест»).
Композиция подобных картин не соответствовала ни одной из категорий китайской живописи. Наибольшее слияние природы и человека станет характерно для различных жанров искусства Японии.

Период Камакура (1185-1333 гг.) и Муромати (1333-1568 гг.)

В конце XII века столица снова была перенесена, власть в стране в результате кровавой междоусобицы захватил клан Минамото, глава которого перенес столицу в свое поселение Камакура, название которого стало именем следующего этапа истории Японии. К власти в стране пришло военное сословие самураев, из среды которых выходили сегуны - действительные военные правители Японии, за императором, оставшимся в Нара, сохранялись только номинальные атрибуты власти. Утонченности придворной культуры самураи предпочитали простоту. Монастыри секты дзен уже не включали в себя пагоды, храмы напоминали сельские хижины. С конца XIII в. под воздействием пантеистических представлений секты дзен пейзаж стал воплощать идею о пребывании буддийских божеств в любых ландашфтных объектах. В монастырях Камакуры сложилась иконография портретов Минского патриарха: восседающий и спокойной позе с подчеркнутой характеристикой лица, гипнотической силой взгляда. Под влиянием секты дзен скульптура отодвигается на второй план, живопись, особенно пейзажная, выражает мироощущение людей этой эпохи.

Период Муромати начинается с событий 1333 г., когда феодалы юго-восточных районов острова Хонсю захватили и сожгли Камакуру, вернув столицу в Хэйан. Это было время внутренних усобиц и войн феодальных кланов. Ведущим для смутного времени стало учение адептов секты дзен о том, что, достигнув единства с природой, можно примириться с невзгодами жизни и достичь единения с миром. На первое место в японском искусстве под влиянием учения дзен о том, что «телом» Будды является природа, выдвигается пейзажная живопись. Во второй половине XII в. в Японию из Китая проникла живопись с использованием черной туши. Японцы, которые преимущественно занимались такой живописью, были членами секты дзен. Они и создали новый стиль, который объяснял новое вероучение (шига- ку - комбинация живописи и поэзии). XV и XVI вв. - время максимального расцвета живописи тушью, ведущим мастером которой был Сэссю Тойо (1420-1506 гг). Параллельно с этим стилем существовал и стиль ямато-э.

Изменения социально-политических отношений, выдвинувших на первый план военное сословие, обусловили и появление в XVI в. архитектурного стиля «сеин». Прежде единый объем дома расчленяется теперь с помощью раздвижных дверей (седзи), раздвижных перегородок (фусума). В комнатах появилось специальное место для занятий - полка для книг и окно с широким подоконником и ниша (токонома), куда ставился букет или камень прихотливой формы и вешался вертикальный свиток.

В XVI в. в истории японского зодчества появляются чайные павильоны в связи с необходимостью правильного проведения чайной церемонии. Чай был завезен в Японию в период Камакура буддийскими монахами в качестве снадобья. Чайный ритуал (тя-но-ю) был введен по инициативе дзенского монаха Мурата Сюко и требовал специального метода для своего проведения. Так сложился новый тип архитектурного сооружения - тясицу (павильон для чайной церемонии), в своей конструктивной основе он был близок жилому дому, а по своей функции - буддийскому храму. Опоры чайного павильона были деревянными, по толок отделывался бамбуком или тростником. Внутри устланной циновками хижины в 1,5 или 2 тата ми с глинобитными стенами, маленькими разноуровневыми окнами, нишей токонома с висящим монохромным пейзажем и цветком в вазе находился очаг, полка для утвари.

В период Муромати расцветает искусство создания садов. Японкие сады различны. Малые сады чаще всего расположены при храмах или связаны с традиционным домом, они предназначены для просматривания. Большие ландшафтные сады рассчитаны на восприятие их изнутри.

Кондо — (яп. золотой зал) — главный храм буддийского комплекса, содержащий иконы, статуи, настенные росписи

Дзенский прихрамовый сад строился но принципу монохромного пейзажного свитка. Художник вместо листа бумаги использовал гладь озера или засыпанную галькой площадку, вместо пятен и размывов гущи - камни, мхи, листву деревьев и кустарников. Постепенно из сада исчезли цветы, их заменили мхи и кустарники, вместо мостиков стали использовать камни. Одни сады были пейзажные, холмистые (цукияма). Сады цукияма представляли собой комбинацию таких природных элементов, как камни, мхи, деревья, водоемы, с обязательным павильоном на берегу. Самый древний пейзажный сад находится в Киото и принадлежит монастырю Соходзи. Сухие сады носили название «хиранива», т.е. плоские. Хиранива - это «философский» сад, шк как он требовал от зрителя развитого воображения. Сад хиранива «оставлялся из камней, песка, гальки. Замкнутый с трех сторон окрутившей его стеной, сад предназначался только для созерцания. В конце XV в. создан один из наиболее известных сухих садов в монастыре Реандзи. Он включает 15 камней, расположенных на прямоугольной засыпанной гравием площадке. В саду хиранива монастыря Дайтокудзи, созданном в 1509 г., природа представлена композициями из камней и гальки. Одна из частей сада получила название «океана пустоты» и представляет собой два невысоких галечных холма среди прямоугольной площадки. Сады могли дополнять друг друга.

В конце XV в. формируется придворная школа декоративной живописи Кано. Основатель школы Кано Масанобу (1434-1530) происходил из военного сословия, став признанным придворным художником-профессионалом. Его пейзажи имели только передний план, все остальное заволакивала туманная дымка. Акцент на одном определенном предмете изображения станет характерным для школы Кано. Главное место в творчестве художников школы Кано занимали декоративные настенные росписи и ширмы с жанровой живописью. Настенные росписи стали главным компонентом синтеза с архитектурной формой и средством воздействия на образный смысл архитектурного пространства. В свою очередь, особенности архитектурной формы требовали определенных стилевых качеств росписей, отчего постепенно и сформировался новый стилевой ка нон, сохранявшийся в японской живописи вплоть до XIX в.

Синдэн — тип жилого дома. Прямоугольное в плане однозальное главное здание, обращенное южным фасадом к площади, а с востока и запада обрамленное галереями

Период Момояма (1X73-1614 гг.)

И это время подошла к концу эпоха феодальных войн, власть в стране перешла к последовательно сменившим друг друга военным диктаторам - Ода Нобунага, Тоётоми Хидэеси и Ияэсу Токугава. Это было время роста городов, обмирщения и демократизации культуры, проникновения новых ценностных ориентаций. Культовая архитектура утратила свое прежнее значение. Новые властители Японии заявляли о своем могуществе строительством грандиозных замков, сооружение которых было вызвано появлением в Японии огнестрельного оружия и соответственным изменением тактики боя и обороны. Замок стал принципиально новым типом японской архитектуры. Асимметрично расположенная территория замка, окруженная рвом и сторожевыми и угловыми башнями, включала центральную площадь и множество дворов и помещений, подземных укрытий и переходов. Жилые помещения находились в расположенном на территории замка деревянном здании со строгой иерархией внутреннего пространства, отражавшей общественную иерархию. Погруженным в полумрак интерьерам замков более всего подходили настенные декоративные росписи, грандиозные по размерам, исполненные яркими красками по золотому фону.

Кано Эйтоку (1543-1590). Создатель нового стиля росписей, призванного возвеличить военных диктаторов. Он впервые разработал принцип единой композиции на больших горизонтальных поверхностях, укрупнив формы, отказавшись от мелких деталей для передачи не только силуэтов, но и динамики их форм. Для Эйтоку характерно стремление к увеличению плоскостности картины, усилению ее декоративных качеств. Так, на местах, символизирующих пустое пространство, размещены пятна с примесью золотой пудры. Пространство композиции разворачивалось не вглубь, а вдоль взгляда.
В 1576 г. на берегу озера Бива был возведен невиданный до сих пор замок с колоссальной семиэтажной башней, который должен был демонстрировать мощь диктатора Ода Нобунага. Особенностью замка было наличие не только официальных, но и частных покоев. Главными в декоре комнат стали настенные росписи, которые было поручено осуществить Кано Эйтоку, работавшему над ними три года с большой группой помощников. Кано Эйтоку, которого диктатор торопил с выполнением заказа, стал укрупнять формы, используя толстую кисть из рисовой соломы, прибегая к лаконичному художественному языку. Главное место занимало изображение деревьев, цветов, птиц и животных. Цветовая гамма была яркой, отсутствовала нюансировка цвета.

Изменение социальной ситуации в стране после того как к власти пришли сегуны Токугава привело к запрету на строительство замков.
В творчестве художников первой трети XVII в. начинают преобладать новые черты. В живописи заметнее стало стремление к уравновешенным, спокойным композициям, нарастание орнаментальности форм, интерес и культуре Хэйанской эпохи и произведениям ямато-э. Отличительная черта школы Кано этого времени - орнаментальность и повышенная декоративность. Когда во второй четверти XVII в. было запрещено строительство замков, главной формой декоративной росписи стала ширма. Из декоративной живописи ушла монументальность Кано Эйтоку. Искусство приобрело личностную окраску, повлиявшую и на его стилевые качества. Декоративная живопись XVII в. вдохновлялась чаще всего героями и темами классической литературы, отражая круг интересов родовой аристократии, а таксе нарождающейся буржуазной элиты. Декоративная живопись развивалась в старой столице - Киото.

Выразителем вкуса новых потребителей искусства - жителей городи, торговцев и ремесленников - стал Огата Корин, новый представитель школы Кано.

Эмакимано — горизонтальный свиток из бумаги или шелка, наклеенный на основу, обрамленную парчовой каймой с деревянным валиком на конце

Огата Корин (1658-1716) жил как богатый повеса, постоянно посещал «веселые кварталы». Только после разорения, столкнувшись с суровой необходимостью зарабатывать себе на жизнь, он стал заниматься росписью тканей и живописью. Огата Корин имел дело и с керамикой, и с изделиями из лака, расписывал кимоно и веера. Как
мастер, он начал со знакомства с традиционной живописью и ее приемами. Корин всегда стремился к компактности, уравновешенности форм, характерная особенность творческой манеры - сосредоточенность на разработке нескольких сюжетных мотивов, их многократное повторение и варьирование. В творчестве Огата Корина впервые появилась работа с натуры. В росписи ширмы «Красное и белое дерево сливы» сюжетный мотив, взятый Корином, восходит к классической поэзии с ее образами ранней весны и пробуждающейся природы. По обе стороны от потока на золотом фоне написаны цветущие деревья: коренастое, с толстым изогнутым стволом и почти вертикально поднимающимися ветвями дерево красной сливы и другое, обозначенное лишь подножием ствола и резко изогнутой, как бы припадающей к воде, а потому вдруг взметнувшейся вверх веткой, усыпанной белыми цветами.

Кано Эйтоку ястреб на сосне. Ширма. Деталь конец XVI в.

Огата Кэндзан (1663-1743) в отличие от своего старшего брата Огата Корина с юности тяготел к духовным ценностям, был последователем дзен- буддизма, знал китайскую и японскую классическую литературу, театр Но, чайный ритуал. На территории, принадлежащей храму Ниннадзи, Кэндзан получил разрешение построить собственную керамическую печь, выпускавшую продукцию в течение 13 лет до 1712 г. Он не стремился к прибыльности, им руководила идея создания высокохудожественной продукции. Впервые он использовал Традиционные приемы живописи тушью в росписи объемной формы. Кэн- дзан стал использовать цвет, он писал по сырому черепку, пористая глина впитывала краску, подобно бумаге в живописи тушью. Подобно своему великому современнику поэту Басе, превратившему популярный низкий жанр хайку в откровение, Огата Кэндзан показал, что обычные керамические тарелки, чашки, вазы могут быть и утилитарными предметами, и одновременно поэтическими шедеврами искусства.

Период Эдо (1614-1868 гг.)

В 1615 г. из Киото в Эдо были переселены самураи. Возросло значение сословия купцов, торговцев и ростовщиков, сосредоточенных в Мара, Киото и Осака. Для представителей этих социальных групп было характерно мирское восприятие жизни, стремление освободиться из-под влияния феодальной морали. Впервые искусство обращается к темам повседневности, включая быт т.н. веселых кварталов - мира чайных домов, театра Кабуки, борцов сумо. Появление гравюры на дереве было связано с демократизацией культуры, поскольку гравюре свойственна тиражность, дешевизна и доступность. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называться укиё-э (дословно - бренный изменчивый мир).

Изготовление гравюр приобрело широкий размах. Ранний период развития графики укие-э связан с именем Хасикава Моронобу (1618-1694), который изображал незамысловатые сцены из жизни обитателей чайных домов, ремесленников, совмещая на одной гравюре разновременные, не связанные между собой события. Фон гравюр оставался белым, линии четкие. Постепенно круг тем гравюр расширился, более глубоким стал интерес не только к внешнему, но и к внутреннему миру персонажей. Японская гравюра в 1780-1790 гг. вступает в период расцвета. Судзуки Харанобу (1725-1770) впервые стал раскрывать внутренний мир героев в таких гравюрах, как «Красавицы, срывающие ветку сливы», «Влюбленные в заснеженном саду». Он впервые применил прием раската, создающий переход от темного к светлому тону, варьировал толщину и фактуру линий. Он никогда не заботился о реальной расцветке, море на его гравюрах розовое, небо песочное, трава голубая, все зависит от общего эмоционального настроя сцены. Одна из его лучших работ «Влюбленные, играющие на одном сямисэне» создана на тему японской пословицы - «Если музыка способствует любви - играйте».

Токонома — ниша в интерьре чайного дома

Китагава Утамаро (1753- 1806 гг.) - выдающийся мастер укие-э. Его творчество началось с альбомов «Книга насекомых», «Песни раковин». В своих поясных, по- грудных женских портретах Утамаро впервые применяет слюдяной порошок, создающий мерцающий фон. Идеальна красавица Утамаро с изящной формой и посадкой головы,
тонкой шеей, маленьким ртом, короткими черными бровями. В сериях «Десять женских характеров» и «Дни и часы женщин» он стремился к выявлению различных типов внешности и характера женщин. В конце 90-х гг. в Утамаро обращается к теме материнства в таких гравюрах, как «Мать с ребенком» и «Игра в мяч», в это же время он создает триптихи и полиптихи на исторические темы, прибегая к косвенному обозначению (герои страны изображаются в виде красавиц). Те- сюсай Сяраку создал серию портретов актеров театра Кабуки и борцов сумо. Он отказался от общепринятых традиций, сделав гротеск своим главным приемом. Третий период развития гравюры укиё-э приходится на 1800-1868 гг. В это время усилилось влияние на японское искусство голландских и немецких офортов. Для творчества художественной династии Утагава стали характеры отказ от поисков индивидуальности, стремление к формальному изяществу. Расцвет жанра пейзажа в гравюре связан с именем Кацусика Хокусая (1760-1849). Хокусай изучал древние и современные направления японского искусства, знал искусство Китая и познакомился с европейской гравюрой. Почти до 50 лет Хокусай работал в традиционной манере художников укиё-э. Лишь в альбомах «Манга» (книга набросков), первый том которых вышел в 1812г., Хокусай нашел свою область искусства. Теперь он рисовал бытовые сцены, пейзажи, толпу.

пейзажные сады японии

В возрасте 70 лет Хокусай создает свою серию «36 видов горы Фудзи», на каждой из гравюр художник изображает гору Фудзи. В сочетании жанровой темы с пейзажем - особенность Хокусая. В отличие от древних пейзажистов Хокусай показывает землю снизу. Одновременно он создает серии «Путешествие по водопадам страны», «Мосты», «Большие цветы», «100 видов Фудзи». Хокусай мог передавать вещи с неожиданной стороны. В гравюрах «100 видов Фудзи» горы то возникают из мрака ночи, как видение, то просматриваются за стеблями бамбука, то отражаются в озере. Последователь Хокусая Андо Хиросигэ (1797-1858) писал природу гораздо более реалистично. По профессии речной агент, он много ездил по стране, создавая свои серии «53 станции Токайдо», «8 видов озера Оми», «69 видов Кисикайдо». Искусство Хиросигэ приближается к европейской живописи, завершая двухсотлетний период расцвета гравюры укиё-э.