В Музее современного искусства "Гараж" открылась первая Триеннале современного искусства – выставка, в подготовке которой приняли участие более 200 художников из 40 городов России.

Что такое "триеннале" современного искусства?

Вы что-нибудь слышали о Московской Биеннале современного искусства? Это выставка, которая проходит раз в два года и собирает талантливых мастеров из разных уголков земли, которые приезжают на место и рассказывают свою историю или историю своей страны средствами искусства. Или размышляют на предложенную куратором тему. Например, 6-ая Биеннале проходила осенью 2015 года в Центральном павильоне ВДНХ. В ней приняли участие художники со всего мира, а куратор Барт де Баре приехал в Москву из Голландии специально ради этого проекта.

7-ая Биеннале откроется в сентябре 2017 года, но о ней пока известно очень мало: выставка пройдет в "Манеже", а ее идеологом станет главный куратор музея современного искусства Токио . Еще в Москве есть Международная Биеннале уличного искусства, где принимают участие стрит-арт-художники, и Биеннале молодого искусства – для молодых мастеров.

Зачем нужна еще одна выставка современного искусства, да еще и с таким непонятным названием – "триеннале"? Первое (и самое главное) отличие триеннале от всех остальных выставок заключается в том, что к участию в ней приглашены только российские художники. Команда "Гаража" поставила перед собой задачу проанализировать те процессы, которые протекают в отечественной арт-среде. И доказать, что за МКАДом жизнь есть, причем очень яркая, творческая и самобытная, а главное, – уникальная для каждого региона. В отличие от биеннале, которая проходит раз в два года, триеннале будет проходить каждые три года. Предполагается, что за этот промежуток времени, в региональном искусстве произойдут такие перемены и ощутимые сдвиги в контексте, что их можно будет отразить в рамках выставки.

Шесть кураторов проекта пересекли 11 часовых поясов, побывали в 40 городах России и встретились с более чем 200 художниками в возрасте от 19 до 69 лет. На основе исследований местной культурной жизни были отобраны работы более 60 художников, которые бы могли дать четкое понимание того, что происходит в локальной истории искусства того или иного места, а также охарактеризовать определенную тенденцию, региональную или историческую особенность.

Кто принял участие в выставке и на какие работы стоит обратить внимание?

Кураторы проекта определили семь векторов, обозначивших выбор тех или иных художников, которые соответствуют семи разделам выставки. Первый вектор – "Мастер-фигура". Это словосочетание обозначает художников, которые оказали сильное влияние на других мастеров или сформировали целую школу последователей. Среди них, например, Андрей Монастырский – один из главных художников московского концептуализма. Или Анатолий Осмоловский – руководитель школы современного искусства "База".

Второй вектор – "Авторская мифология", что обозначает личную, независимую ни от каких стилей и направлений, историю или "систему координат", в которой творит автор, не оглядываясь на окружающий культурный мир (например, как у Евгения Антуфьева).

Вектор номер три – "Верность месту". Он объединяет художников, в работах которых сильнее всего чувствуется то, что обыватель бы назвал "местным колоритом", то есть особенности, связанные с локальными тенденциями (например, Таус Махачева, автор одной из наиболее ярких работ на последней Биеннале). Вектор "Общий язык", наоборот, определяет интернациональный подход художников к искусству. Например, такой интернациональной темой могут быть средства коммуникации, искусственный интеллект, технологии или человеческие эмоции. С темой современных технологий больше всего любят работать, конечно, молодые художники, как Евгений Гранильщиков или группировка ЗИП.

Пятый вектор исследований посвящен "Искусству действия", или акционизму. Если вам интересно понять, почему Петр Павленский или Pussi Riot – это искусство (или решить для себя окончательно, что это все профанация), то вам обязательно стоит обратить внимание на работы, представленные в этой секции. Акции этих авторов на выставке не представлены, зато работы других мастеров помогут сформировать свое мнение по данному вопросу.

Шестой раздел посвящен уличному искусству с его проблематикой и ответом на вопрос – где заканчивается вандализм и начинается искусство (в разделе – Кирилл Лебедев (КТО) и арт-группировка из Екатеринбурга "Злые", которые участвовали в Биеннале уличного искусства). Работы, включенные в этот раздел, оказались разбросанными по всему парку Горького. Последний раздел посвящен региональному кураторскому осмыслению процессов в искусстве, то есть уникальному взгляду на искусство "изнутри" отдельно взятого региона.

Ну хорошо. А что за детские рисунки перед входом в музей?

Отдельный проект "Гаража", представленный на Площади искусств перед музеем получил название "Твой возраст и мой возраст и возраст радуги". Специально для него музей пригласил шведского художника Уго Рондиноне, который установил на крыше здания огромную радужную инсталляцию OUR MAGIC HOUR ("Наш чудо-час"), а также собрал полторы тысячи детских рисунков с изображением радуги из девяти городов России, в том числе от детей с особенностями развития, а также глухих и слабослышащих. Для Рондиноне радуга – один из главных образов в искусстве, который он воспроизводит с помощью самых различных медиа – от скульптуры до световой инсталляции. С его помощью художник пытается призвать зрителя быть открытым и щедрым, поверить в чудо, человечность и магию момента.

В Музее «Гараж» начала работу первая Триеннале российского современного искусства.

Эта выставка стала результатом масштабного исследования, проведенного кураторами Музея. Целый год они совершали поездки к региональным художникам и знакомились с местной спецификой, систематизировали информацию. Работы 68 авторов и творческих групп были отобраны для выставки в Москве. На этом список достойных современных художников из России не заканчивается. Параллельно Музей «Гараж» начал составлять интернет-справочник об участниках российской арт-сцены на сайте http://triennial.garagemca.org/ . Там же находится подробная информация о событиях в рамках Триеннале.

Большинство объектов и инсталляций уместилось на двух этажа просторного «Гаража». Выставка напоминает ризому: открытое пространство позволяет нам начать исследование с любого зала, любого объекта и совершенно в любом направлении. Для удобства Музей предлагает воспользоваться путеводителем с четким описанием семи разделов: Мастер-фигура, Искусство действия, Верность месту, Авторские мифологии, Общий язык, Локальные истории искусства и Морфлогия улиц. Можно довериться этой классификации, можно искать художников из конкретных регионов или то, что заинтересует лично Вас – полная свобода.

Россия, в том числе творческая, прекрасна своим многообразием: в Удмуртии еще жив дух язычества, в Татарстане срослись русская и мусульманская культуры, Дальний Восток тяготеет к азиатской традиции, а Москва первой воспринимает мировые тенденции. Исходя из соотношения локального и глобального, а также из логики отдельных художественных систем, исследователи Музея выделили объединяющие факторы.

В разделе Верность месту очень четко прослеживается привязка к конкретной местности, ее истории, визуальным проявлениям. Родное место дает художнику материал для рефлексии и время для всестороннего изучения его особенностей. Для «чужаков» это совершенно неизведанный мир, автор здесь становится проводником. На стенах зала чернеют калининградские леса, чернеют довоенные номера домов в Грозном, чернеет город из нижнетагильского мусора, отходя ко сну.

Общий язык – это раздел о процессе, идущем в противоположном направлении. Российские художники создают работы, которые будут органично смотреться в любой галерее. Их видение и программы созвучны с идеями мирового арт-сообщества. Здесь раскачивается электронное кадило, дышит металлическое сердце, в школах группировки «ЗИП» учат рейву и сочной живописи.

Существует и третий путь: взять и создать мир с нуля, не следуя за трендами, не «припадая к корням». Тех, кто выбрал эту дорогу, объединили в раздел Авторские мифологии . В нем возможно все – кинетические комнаты, пельменные шашки, ручей с огненной водой.

Искусство действия – это прогрессивное направление, основанное на социальном взаимодействии. Акционисты с риском для здоровья и жизни, исследуют грани человеческой свободы, вскрывают противоречия, шокируют и пробуждают тех, кто игнорирует общественные проблемы. В этой комнате швейный кооператив «Швемы» показал перформанс «12-часовой рабочий день». Инсценировку эксплуатации работниц на фабриках сопровождают плакаты «Шей быстро – умри молодой» и надписи на изделиях «Сделано в рабстве». Здесь же можно ознакомится с феминистским самиздатом и увидеть лучшие плакаты с «Монстраций».

Некоторые художники стали не только практиками, но и источниками импульса, Мастер-фигурами. В золотой статуе первосвященника узнается профиль Анатолия Осмоловского, в технологичной платформе «Точка доступа» – научный подход Дмитрия Булатова. В цементной «фреске» на стене «Союза художников России» и змеящейся цветной гирлянде виден групповой подход уникального объединения 33+1.

Раздел Локальные истории искусства будет состоять из встреч с представителями региональных арт-сцен. В публичной программе предусмотрено 5 сессий, которые позже войдут в Архив Музея и будут доступны для повторного просмотра.

Покидая здание, мы попадаем на территорию Морфологии улиц . Главной целью художников заключительного раздела является преображение городской среды. Они видят в городе нечто большее, чем дома, дороги и деревья, ищут новые способы рассказать об этом зрителю. Александр Шишкин-Хокусай зарифмовал каркас старого здания «Гаража» с греческим храмом, артгруппа «ЗЛЫЕ» – игру «Ну, погоди» с граффити-бомбингом.

Триеннале продлится до 14 мая . Для тех, кто хочет узнать больше о современном искусстве в России, подготовлена насыщенная программа: лекции, встречи, перфомансы, спектакли и кинопоказы. Стоимость и расписание событий уточняйте на сайте Музея или Триеннале. Для владельцев карт Garage организован свободный вход, экскурсии с куратором и личное общение с участниками выставки.

Триеннале российского современного искусства в «Гараже» начинается с транспаранта «Здесь вам не Москва», с которым акционист из Новосибирска Артем Лоскутов выходил на организованные им «Монстрации» — шутовские шествия под абсурдными лозунгами. Этот баннер вывешен в музее среди десятков работ московских или давно примелькавшихся в столице художников. С тем же успехом программной работой, задающей тон выставке, мог стать плакат «Горшочек, не вари!», а лучше - «МЫ ЭТО ВЫ!», также появлявшийся на «Монстрациях» в разных городах России.

«Гараж» запустил свой грандиозный по размаху проект, который отныне будет проходить в музее раз в три года. Некоторой неожиданностью для многих стало появление среди регионов - участников программы Крыма. Директор музея Антон Белов пояснил, что музей хотел лишь подискутировать, каким образом регион оказался исключен как из украинской, так и из российской художественной жизни.

Однако в результате Крым так и не удостоился места на выставке в «Гараже», так как кураторы не обнаружили там современное искусство.

Всего же на триеннале представлены шесть десятков художников, которых кураторы привезли из турне по сорока городам России. Они разбросаны по семи главам — «директориям». Раздел «Мастер-фигура» посвящен художникам, которые сами себе закон и институция, в «Искусстве действия» представлены разнообразные активистские практики, главы «Верность месту» и «Локальные истории искусства» рассказывают о художественной работе с местным контекстом, а «Авторские мифологии» — о тех мирах, которые конструируют художники. Еще есть раздел «Общий язык», препарирующий проблему коммуникации, а также — «Морфология улиц», посвященный стрит-арту.

Немного хаотичное внутреннее устройство выставки объясняется тем, что кураторы, по словам главы научного отдела «Гаража» Александры Обуховой,

приняли решение «не навязывать свои фантазии такому богатому материалу», выделив каждому автору свой закуток и предоставив свободу действия.

Сама по себе идея триеннале впечатляющая — вытащить на свет божий художников из регионов и показать их в модном московском музее, в поле зрения которого зачастую попадают лишь громкие международные проекты. Так, например, «Гараж» привез Ильгизара Хасанова, одного из главных казанских авторов и популяризаторов современного искусства,

и его инсталляцию «Красное» - карнавал советских «найденных объектов», нависающих над зрителем красными флажками, пирамидками и детскими ботинками.

Или Владимира Селезнева с его знаменитой работой «Метрополис», представляющей собой карту Нижнего Тагила, родного города художника, собранную из найденного там мусора. При выключенном свете она начинает сиять флуоресцентными огнями, напоминая азиатский мегаполис.

Однако будем честны, даже те немногие, не вполне очевидные для Москвы авторы, представленные на выставке, как правило, уже имеют какой-никакой послужной список выставок (а некоторые - даже международный). А такие региональные места силы, как Воронеж или Краснодар, представляют художники, которые в силу своей вовлеченности в московскую художественную жизнь и вовсе не отвечают первоначальной идее триеннале.

Например, Воронеж на выставке представляют Илья Долгов с «Лесной газетой», соединяющей опыты наблюдения за природой с исполненными лиризма текстами, и Кирилл Гаршин, мастер поэтизировать посредством традиционной живописи невзрачные среднероссийские пейзажи и убогий быт. Краснодар представляет группировка ЗИП, которая соорудила остроумный проект, высмеивающий кустарные формы художественного образования

и предлагающий зрителям пройти обучение в «школе коллективных действий и дискуссий» и секции «футуризм и боевые искусства».

Взлелеянный кураторами локальный контекст, таким образом, опять стушевывается на фоне авторов, давно примелькавшихся и проверенных контекстом московским, а то и международным. Исключения, конечно, есть, но их не так много, как хотелось бы. На виду, однако, оказались все те же: «Золотой автопортрет» Анатолия Осмоловского в образе показывающего фигу патриарха, очередная крупноформатная графическая сказка Павла Пепперштейна о воскрешении в далеком будущем Пабло Пикассо. А также коллекция Владимира Архипова, известного собирателя народных реди-мейдов, вроде качелей из автомобильных шин или симбиоза вешалки и вилки.

Особенно показательным вышел раздел выставки, который называется «Мастер-фигура». Здесь встретились работы таких звезд современного искусства, как Андрей Монастырский, Дмитрий Александрович Пригов и Анатолий Осмоловский. Этот термин, подсказанный книгой антрополога Алексея Юрчака «Это было навсегда, пока не кончилось. Последнее советское поколение» об устройстве советского общества в период застоя, обозначает господствующую фигуру, узурпирующую дискурс.

Для Юрчака такой фигурой становится, например, Сталин, который единолично формировал канон (культурный, социальный, политический) в соответствии со своим уникальным пониманием истины. По иронии точно такую же роль в отношении художников из регионов сыграл и сам «Гараж», ставший для них не добрым гением места, а носителем тоталитарного языка, формулирующим нормы и правила репрезентации современного искусства.

В то время как для описания и анализа регионального искусства необходим новый язык, выходящий за рамки оппозиций «столичное-провинциальное» и «локальное-глобальное». Пока же ему приходится оставаться в рамках категорий «покорить столицу» и «сделать международную карьеру».

Мы ответили на самые популярные вопросы - проверьте, может быть, ответили и на ваш?

• Мы - учреждение культуры и хотим провести трансляцию на портале «Культура.РФ». Куда нам обратиться?
• Как предложить событие в «Афишу» портала?
• Нашел ошибку в публикации на портале. Как рассказать редакции?

Подписался на пуш-уведомления, но предложение появляется каждый день

Мы используем на портале файлы cookie, чтобы помнить о ваших посещениях. Если файлы cookie удалены, предложение о подписке всплывает повторно. Откройте настройки браузера и убедитесь, что в пункте «Удаление файлов cookie» нет отметки «Удалять при каждом выходе из браузера».

Хочу первым узнавать о новых материалах и проектах портала «Культура.РФ»

Если у вас есть идея для трансляции, но нет технической возможности ее провести, предлагаем заполнить электронную форму заявки в рамках национального проекта «Культура»: . Если событие запланировано в период с 1 сентября по 31 декабря 2019 года, заявку можно подать с 16 марта по 1 июня 2019 года (включительно). Выбор мероприятий, которые получат поддержку, осуществляет экспертная комиссия Министерства культуры РФ.

Нашего музея (учреждения) нет на портале. Как его добавить?

Вы можете добавить учреждение на портал с помощью системы «Единое информационное пространство в сфере культуры»: . Присоединяйтесь к ней и добавляйте ваши места и мероприятия в соответствии с . После проверки модератором информация об учреждении появится на портале «Культура.РФ».

"ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ РЕСУРС СТРАНЫ"

Первая Триеннале российского СОВРЕМЕННОГО искусства

"Белинский назвал "Евгения Онегина" энциклопедией русской жизни. Триеннале, конечно, не роман Пушкина, но страна видна очень объемно".

По словам куратора Валентина Дьяконова, эта мысль пришла ему в голову еще на стадии монтажа экспозиции первой Триеннале современного российского искусства, открывшейся в Москве 10 марта. "Гараж" собрал в своих стенах более 60 художников из различных городов России: от Калининграда до Владивостока. Заявленная цель - показать зрителю актуальный "срез" российского искусства.

При этом у многих вопрос вызывает даже само словосочетание "современное искусство": откуда оно, есть ли у него какие-либо границы и как с ним лучше взаимодействовать? Команда кураторов "Гаража" помогла нам разобраться в теме. В коллективном интервью они не только рассказали, "откуда" и "куда" современное искусство, но и пояснили, как география влияет на специфику произведений, какие требования современность выдвигает к художникам и почему триеннале - это процесс.

О национальном в искусстве

В XX веке тема "национального" в искусстве претерпела стремительную эволюцию. Две мировые войны полностью перекроили художественную карту мира и подорвали устоявшуюся систему культурных столиц, каким, например, в то время был Париж. Вынужденная миграция заставила перемешаться между собой национальные школы и стили, которые, справедливости ради надо отметить, уже тогда имели тенденцию к универсализации.

Последовавшая далее эпоха глобализации довела идею межкультурного обмена до своего предела, и созданная ею идеология поставила вопросы мобильности, гибридности и универсализма во главу угла. На фоне этих процессов активно заявила о себе проблема поиска национальной идентичности (к слову, в настоящий момент мы живем на самом излете этого периода).

Влияет ли география на художественный продукт?

Да, конечно, влияет, но не обязательно напрямую. Скорее, она определяет методы, которые художник использует для решения творческих задач.

Если его основная тема неразрывно связана с поиском идентичности и обретением национального самосознания, то его продукция может принимать формы, соответствующие этой задаче: ковра, если речь идет о странах Кавказа или Ближнего Востока, или иероглифического письма, если перед нами, например, Китай, и так далее. Но если художника волнуют наднациональные проблемы, такие как глобальное потепление, геополитика или борьба за права меньшинств, то в его авторском арсенале могут преобладать техники и образы, не содержащие в себе национальный колорит.

О непредсказуемости тенденций

Представление о планомерном движении искусства всегда формируется ретроспективно, исходя из понимания своего настоящего - той современности, к которой как будто бы и вели все предыдущие этапы развития. Поэтому превратить все многообразие сегодняшних художественных практик в однонаправленный вектор очень сложно и, главное, вряд ли нужно. Попытки предсказания перспективных трендов смахивают на шарлатанство и, как правило, опрокидываются на непредсказуемо крутых поворотах искусства.

При этом в современном искусстве всегда сосуществуют интернациональная повестка, определяющая глобальные художественные практики (то, что мы называем "общий язык") и самобытные художественные миры, вырастающие из локальной традиции или индивидуального опыта. В России сегодня, к счастью, есть и то и другое.

Чем Россия отличается от всего мира? К слову сказать, российское современное искусство давно критически и иронически переосмыслило миф об уникальном пути России и в целом стремится быть включенным в интернациональный контекст, а не следовать особым путем культурной изоляции.

О художественном ресурсе страны

Коллеги и в России, и за рубежом спрашивали нас: а стоит ли заявлять именно триеннале, событие периодическое? Не боитесь за один раз исчерпать весь художественный ресурс страны? Не боитесь, что на второй триеннале будет нечего показывать? Ответ на все эти вопросы есть, и довольно подробный.

Во-первых, никогда не знаешь, что конкретно "расцветет" в том или ином регионе. Возьмем для примера юг России. В Краснодаре есть арт-группировка ЗИП - четыре художника, разрабатывающие тему анархитектуры, свободного творчества и первобытного коммунизма в ключе архаики и примитива. В Воронеже - городе между Москвой и Краснодаром - сложилось сообщество очень тонких, интеллектуальных художников, занятых проблемами экологии, когнитивной психологии и абстракции (в триеннале участвуют Илья Долгов и Кирилл Гаршин). Ростов-на-Дону, столица русского рэпа, дает еще одну панораму, не такую, как Краснодар и Воронеж (и кстати, абсолютно не имеющую отношения к русскому рэпу).

Открытия были в каждом регионе. Хабаровск, например, город тяжелых климатических условий, но там очень популярен стрит-арт. И таких парадоксов наберется множество.

Во-вторых, универсализация и глобализация для жителей России не в новинку. Уже в советское время существовала практика распределения специалистов, закончивших центральные вузы, по регионам, и корней в родных городах и областях многие люди не имели - путешествия вслед за работой были нормой. Сегодня важным фактором стал интернет. Художник может быть в курсе любых процессов в любой точке планеты и опираться на тот опыт коллег, который кажется актуальным в его контексте. В результате получается очень богатая и разнообразная среда, где нет предсказуемых локальных сцен и все развивается достаточно быстро.

Не говоря уже о том, что из художников, которые на эту триеннале не попали, можно уже смело делать следующую.

О требованиях к художникам

Едва ли не самый глобальный вопрос истории искусства. Что касается современности, то тут можно с уверенностью говорить о нескольких критериях или принципах, которые требуют определенной компетенции не только от художника, но и от куратора.

Во-первых, произведение должно обладать одним важным свойством: гармоничными отношениями между формой и смыслом (мыслью, переживанием). Сейчас художники используют настолько большой арсенал средств (медиа), что точность соответствия часто оказывается решающей.

Во-вторых, компетенция современного художника предполагает владение не только техническими средствами, но и фундаментальными знаниями в области самых разных дисциплин: филологии, истории, социологии, антропологии, физики - и так до бесконечности.

Художник, начиная с середины XX века, - это не только тот, кто производит артефакты (картины, скульптуры и т.д.), но и, главным образом, создает смыслы и идеи. Шире - концептуальное поле.

О подготовленности зрителя

Нам кажется, что вопрос "подготовленности" стал камнем преткновения в теме восприятия современного искусства. И тут огромную роль сыграла история его популяризации. С начала девяностых художники, музейщики и галеристы искали высокопоставленных патронов и пытались подавать искусство как высокое знание о мире - для посвященных в самые глубокие оттенки изящного.

На наш взгляд, эта эпоха прошла, и сегодня современное искусство - вопрос настройки глаза, что-то вроде абсолютного слуха, позволяющего ставить одно исполнение "Дона Карлоса" Верди выше другого. Но даже если глаз "настроен" не идеально, внутреннюю логику и внешнюю уместность современного искусства все равно можно оценить.

К счастью, искусство не опера, и высиживать ради приличия три с половиной часа совершенно необязательно.

Также в современном искусстве зрителю часто отводится роль не пассивного созерцателя, а активного участника процесса. Он может вовлекаться в процесс создания произведения искусства: так реализуется идея максимального приближения искусства к жизни. Партисипаторность (участие) и интерактивность (взаимодействие) могут проявляться в различных формах, то есть зрителю могут отводиться разные роли, от сознательного субъекта действия (как в перформансах Марины Абрамович) до случайной "жертвы", которая попадает в художественный процесс, не подозревая об этом.

Что касается совета потенциальному посетителю триеннале, то он таков: не стоит ждать глухой стены, о которую разбивается повседневная жажда наслаждений. Художники хотят быть понятыми, трогательными и вдохновляющими. Они не небожители (даже эпоха Возрождения не смогла превратить их в олимпийцев), а, скорее, добрые сказочники.

О задачах музейных пространств

Музей - это своеобразный билет в вечность, что-то вроде ДНК всего человечества, которое несет в себе некую коллективную (визуальную) наследственность. Разница лишь в том, что если в случае с клетками важно избежать ошибок при репликации, то для музея важно, чтобы доминантный нарратив, которой он выстраивает, был открыт для регулярного переосмысления. Потому что, как все мы понимаем, прошлое (как, впрочем, и будущее), меняется в зависимости от момента, в который мы на него смотрим. Нередко процессы выстраивания истории превращаются в процессы исключения, чрезмерно линеарного восприятия времени или идеологическую генетику в чистом виде.

Отвечая на эти вызовы, музеи стали брать на себя функции лаборатории, открытой и более доступной образовательной институции, становясь не только распространителем, но и производителем знаний и инноваций. Сложно сказать, есть ли предел у подобного разностороннего развития, но границы должны быть обязательно. Потому что, как показывает история, размывание границ между искусством и жизнью является разрушительным по отношению к самому искусству. Одной из причин, почему люди не понимают современное искусство, является как раз его частая приближенность к жизни.

И если процессы исторификации скрыты и продиктованы теми, кого мы можем назвать "экспертами" (очевидно, что не каждый может вмешиваться в генетику!), то у музейных пространств есть один важный публичный аспект. С точки зрения истории музеи нередко были единственными местами, где художники наконец-то могли "общаться" с публикой и принимать критику (а нередко, похвалу) своих современников и общества. Обеспечивать подобное общение остается одной из важнейших задач для любого музея и в наши дни.